赤粒艺术:【记忆‧哲思】 2015陶文岳个展


发布于: 2020-05-28

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    展期

    日期:2015-09-25 ~ 2015-10-12

    地点

    国父纪念馆

    参展艺术家

    陶文岳

    赤粒艺术:【记忆‧哲思】 2015陶文岳个展 赤粒艺术

    台湾,台北市

      记忆‧哲思~2015陶文岳个展

      文/陶文岳

      21世纪是一个资讯爆炸的世纪,拜科技网路便捷的使用,但却也呈现多元而庞杂的局面。对于艺术创作来说,从平面绘画、雕塑、装置、录像到新媒体等领域,表现的手法更包罗万象而不断地推陈出新。我选择绘画领域,是因为对绘画的热爱,不仅是强调手与纸或画布接触的质感与时间的手工感,也是自我意识与精神的对话,使我执着于二次元的平面空间中乐此不疲的创作、探索与实验。

      此次~10月12日在国父纪念馆「德明艺廊」以「记忆‧哲思」为展览主题,包含:素描、油画和複合媒材等三个类别的作品。我的创作不拘泥于抽象或具象形式的表现,但总体来说是以抽象为主,意象为辅的创作,利用拆解后的点、线、面和图腾符号来增强画面的视觉重点。这些经由淬鍊之后的简单形体,介于纯抽象或是抽象与意象结合的方式,希望能达到更多的视觉想像空间。

      一、创作思想体系

      我的创作思想主体与「记忆」有关,是环绕在东西方文化和历史为主,体现个人对这世界的观照,里面包含着生活的反思、情感的沉澱、时代环境的依恋关怀,延伸出对未来的臆想憧憬。

      20世纪着名的俄国文学家纳博柯夫(VladimirVladimirovichNabokov,1899~1977)曾在其着作《说吧!记忆》中写道:「我看到意识如何觉醒,吉光片羽般的碎片闪现,彼此的间隙渐渐消减,终于形成一段段清晰的感知,难以捉摸的记忆由此生成。」

      当然「记忆」和「时间」彼此相关联,时间不停地向前行,记忆也在其后不断地跟进。记忆就如同穿越时空的“心灵之门”,从白昼到夜晚,不管是清醒和作梦,有时朦胧、有时清晰的片段和场景,他们就像拼图式的来回重组架构。而存在于深层意识的意念、经验、幻想、假设……,总是适时地涌现于脑海中融入创作里;所以不管是曾经阅读来自于书本里的知识、或亲身经历的一段难忘的旅程、亦或是创作的实际体会,今日过了,明日就自动形成记忆的视网膜,自然捕捉住每一个确切曾存在的事件,如同摄影般的,储存在脑海中,一张又一张的浮现出泛黄、或黑或白、或多彩缤纷的影像照片,这些皆是我创作的主要取决的元素。

      我始终觉得艺术家的敏锐眼睛如同灵媒般,能够触及万物的灵魂深处,攫取精华来创作,当然这是属于心灵的冥思感悟的领域,当“精神”与“思想”相契合,自然也就能超越时空侷限,直探心灵本位。简单的说「回忆」是包含在「记忆」里,是还原过去经验积累的过程,属于一种过去进行式,如同提取影像讯息,将这些记忆彙整,藉由艺术创作体现我对人生过程的领悟。是自我沉澱,也是省思,皆成为我创作的泉源和动力。

      二、学理基础

      抽象绘画创始于1910年,是由俄国画家康丁斯基(WassilyKandinsky,1866~1944)所创。他因为热爱古典音乐,藉由音乐的悠扬旋律、节奏,透过符号和线条表现在绘画创作里,这幅抽象水彩画揭开了绘画创作的新纪元与观看的新体验,全然不同于以往各画派的视觉绘画表现,创作比起以往更自由大胆,犹如心灵的深层呼唤,藉由绘画创作的表现形式牵引出来,也开启我们在视觉领域与潜意识的艺术创作表现。

      自己从事绘画创作已将近二十多年,就读艺专二年级时(今台湾艺术大学),就已开始尝试抽象画创作,记得当时那张画是单纯灰色的画面与线条表现,算是我的第一张抽象画,毕业后留学巴黎正式投入抽象画的创作领域。

      抽象画属于“纯粹”的创作,它不像具象画需要模拟外象,也因为如此,它必须面对的是自我内心探索。挖掘潜在的本质精神。这种“本质”对于抽象创作者来说它接近于“内在的真实”,脱离了现实世界幻灭的假象,对心理层次而言是比真实世界更真实的情境。其实抽象画也包含许多派别,简单的来说抽象画分为「理性」与「感性」创作两大部分。这是以情感上的表现来区分,我们称「理性」抽象绘画为「冷抽象」,「感性」抽象绘画为「热抽象」。前者有「几何抽象」,后者有「抒情抽象」、「抽象表现」等派别。而我的抽象画融入了两者之间,理性与感性兼备。

      在中国西泠八家中以善画和工隶书闻名的黄易(1744~1802)曾写过一副对联:「砚以静而寿,诗乃心之声。」这个“心之声”正是表达抽象绘画的底蕴精神最好的诠释。将形象抽离后的“抽象”,少了形体依附,就需以心来观看与体验。西方哲学家罗素对此作了一个很好的譬喻,拿一个简单观看的例子,比如说室内的一张椅子,因为光线关係,我们看到了这张拥有颜色的椅子,但是当室内光线消逝,少了光的凭藉,黑暗里这张椅子的表面颜色无法彰显出来,此时的你也无法单凭眼睛就能观看判断色彩,反而在心里可以自由联想起更多的颜色来赋予椅子的色彩。也就是说当外在世界的干扰减弱时,存在于自身的灵敏度才能显现出来,解脱桎梏开放心灵,就是抽象画的特点。

      抽象创作是想像力的发挥

      作梦的经验大家都有,梦里的情景不合逻辑但却仿若真实,它没有时间与空间限制,可以跳跃性天马行空的到处游走。抽象画也是如此,它创作的方式自由自在,首先没有具象绘画中的形象拘束,将直观情感沉澱下来,从生活经验中去慢慢思索品味。创作时就同狂草书法线条穿透空间留白,疏、鬆、紧、凑,流畅的粗细书写行为节奏,设想简单的点线面漂浮并渗透交集在画面空间里,只是融入更多色彩的心灵和精神书写,体现的是内在感悟的情绪表现与张力。我觉得人类心灵的“想像力”赋予了我们自身的潜能发展,我们依赖其企图心去创造未来,而这个潜能正是心灵能量之源,用这把心灵之钥开启想像力,创作抽象画就如同进入心灵风景里与其互动对话。

      抽象带有诗意的联想空间

      如果说诗的想像空间是宽广深邃的,诗透过文字的形容与描述,引领我们从视觉阅读中发挥想像力,去体会自然与人类细腻多样的情感,它拥有内外情绪的节奏,那幺抽象画的创作也是如此。抒情抽象表现就如同音乐的节奏变化,轻快与沉着交融并驰,情意联结亦或纠缠冲动,抽象画捕捉与表达出心象直觉感受。点、线、面与图腾表现如同画中的精灵,它们穿梭于各种色彩的铺陈中,是自然也好,是刻意也行,皆是包容了人类天赋的情绪,也让观赏者增加更多意境的想像空间。

      三、内容形式

      艺术创造包含色彩、造形、技巧与内容的表达,它衍伸出结构、线条、材质、对比、大小、空间……有关,而它的产生就像知名的日本建筑家安藤忠雄(1941~)形容建筑一样:「建筑在一般看来乃是从零出发,在什幺都没有的状态下慢慢组织,然后被建构出来的东西。然而在其内部的深处,有历史与传统,或者是关乎时代性与地域性的各种要素,在彼此複杂的纠结交织的同时,亦不断往外扩张发展……。」

      我们常提到一件好的艺术作品必须具备「形式」和「内容」,简单的说「形式」就是构图和创造的能力,而「内容」牵涉到作品的结构和深度,两者皆缺一不可。英国大文豪莎士比亚曾强调「充实的思想不在于言语的富丽,它引以自傲的是内容,不是虚饰。」而中国着名的文学家沈从文说:「人生实在是一本书,内容複杂,份量沉重,值得翻到个人所能翻到的最后一页,而且必须慢慢的翻。」这些文学家皆不约而同的指涉「内容」的重要性,艺术创作也是如此,它的内容攸关整体创作架构的内涵,有的作品形式结构强,直接就能扣人心弦,有的作品值得慢慢端看细心品味再三,才能体会创作者的用心。

      当然艺术创作的内容五花八门,每位艺术家对内容的诠释不同,像比利时的超现实主义画家马格利特(RenéFrançoisGhislainMagritte,1898~1967)所创作出的绘画内容,最具有创意特质,他幽默又风趣的内容形式往往容易引起观赏者的会心共鸣。例如:《形象的叛逆》作品中,他明明描绘一只菸斗,但却在上头写着「这不是一只菸斗」(Cecin’estpasunepipe),图像结合文字书写,这种随意“指鹿为马”或“此马非马”的表现形式,考验着我们观画时的想像力,不要墨守成规的思考,除了创意思维外兼涉叙述性和观念性表达。

      对于「观念艺术之父」杜象(MarcelDuchamp,1887~1968)的创作,那就更天马行空,出人意表的不按牌理出牌;像一把铲子、废弃的脚踏车轮、蒙娜丽莎像的明信片封等,一些随手可得之物,马上成为他艺术创作的运用媒材,但实际现成物与题目内容的意义南辕北辙。最有名的例子就是他直接拿「小便斗」当作艺术材料使用,开创了现成物使用的领域。杜象仅在「小便斗」上签他的化名「R。Mutt」,就直接拿去参加展览。他还特别慎重为此现成物取了一个《喷泉》的好听名称,果不其然,“「小便斗」在厕所里的象徵意义,成为「现成物」使用观念上的最大挑战和障碍”,才一开展就被主办单位认定不雅而撤下。其实这些行为结果早都在他预料之中,当《喷泉》作品被撤出展场,他随即拿出预藏写好的控诉文件为自己的作品做辩护,这里早有预谋的抗争行为,杜象想要颠覆传统绘画里只重视“视觉性思考”的概念,在他的观念性思维中,创作的内容应不仅止于观赏而已,其实还具备了多元性的思考方向,像语言、思想、心理、生理……等方面的感觉能够交叉灵活运用,藉由现成物来改变传统艺术创作的形式和习惯,为20世纪的艺术创作提供了新的视觉观点。

      我创作的内容主要来自于「潜意识」情感宣洩和探索、「自然环境」的统合与对话、「建筑空间」的测量和再现等三个主题方向。「潜意识」以心灵内外空间的创作探索为主,像《存在思维》(2011,油画)、《意象乌托邦》(2015,油画)纯粹抽象表现都是这类型的内容,来自潜意识心灵的空间能量释放。「自然环境」包含象徵天地的宇宙星辰、山水风景、还有强调生命力的各种植物种子的造型创作、或是拟人譬喻的静物结构,像《异域》(80x110cm,複合媒材)、《一从空来》(80x110cm,複合媒材)就是对宇宙空间的幻想。《远古的传奇》(2012~2015,油画)是歌颂文明历史的衍生、《长河》(2013~2015,油画)、《黄金故乡》(2014~2015,油画)、《冬日之旅》(2015,油画)、《笔记•乡愁》(2015,油画)、《记忆•原乡》(2015,油画)和《记忆•容颜》(2015,複合媒材)等都是来自旅行的风景记忆或怀想、《符号的世界》(2015,油画)和《香火》(2015,油画)则是藉由静物造型拆解组构的想像意念。「建筑空间」则是表现建筑内外的结构创作,例如《构成》(2013,複合媒材)、《现象》(2014,複合媒材)、《文明的跃升》(2015,油画)、《后工业的沈思》(2015,油画)等皆是这方面的创作表现。

      四、方法技巧

      绘画创作的要素,包含点、线、面的基本构成,我们都知道将「点」连结成「线」,又从「线」与「线」的交集构成「面」的空间。「线条」在绘画的技法内容里佔了非常重要的位置,无论是具象、意象或是抽象的绘画创作所表现的技法,似乎都脱离不开线条的造形结构表现。就创作而言,「线」如同扮演着「点」与「面」的桥樑,它佔了非常重要的位置,透过眼与心、手相连,那是与灵魂情感的直接连线。

      我喜欢中国书法的线条,特别觉得狂草表现是线条的精神再造,当线条透过书写的过程,墨凝结了线条的张力,书法家的精神与毅力随意念舞动游走,“气”经由笔锋的书写渗透到纸的冥想空间中,随处该走,何处该停,停、走之间,皆完成于一气喝成之间,深刻传导了东方虚实与共的精神概念。而草书线条中残留的飞白效果,也充满了偶发的惊奇。所以在创作上,常常会将书写的线条运用在创作上,形成我作品中的特色。

      这次在国父纪念馆「德明艺廊」个展的作品包含五年内的创作(2011~2015),分为素描、油画和複合媒材等三个类别。作品除了纯粹以铅笔、炭精和粉彩创作的纸上素描,还有纸与布面压克力颜料和油彩创作,有些複合媒材作品也融入裱贴、拓印的技法,藉由不同质材的创作实验,希望能增加作品本身的内涵深度与精神对话。

      「素描」是最直接的情感表现

      从很早的时候开始,艺术家的创作与素描就形影不离而攸息相关。例如像义大利文艺复兴时期重量级的代表艺术家达文西(LeonardodaVinci,1452~1519)集绘画、雕塑、建筑与科学等的素描手稿便在当时扮演着如先知的角色。所以谁说素描仅是单纯的素描创作而已,即便今日再看达文西丰富涉猎创作的素描内容,仍极具有前瞻性的创意思维。

      另外以《沉思者》、《地狱之门》雕塑闻名于世的十九世纪法国雕塑大师罗丹(AugusteRodin,1940~1917)除了塑造出精湛有力的雕塑作品外,我觉得他遗留下大量的人体素描作品的质与量也是令人叹为观止。这些造形简约的淡彩作品,轻简的铅笔勾勒,虽仅拥有单纯的人体轮廓,但近似透明块面的色彩与色彩轻鬆缝合,从它们的造形用笔神速中,我们可以深刻感受雕塑家面对模特儿创作,神闲气定的捕捉当下瞬间光影变化的风采神情。

      还有同样也以雕塑闻名的瑞士艺术家杰克梅第(AlbertoGiacometti,1901~1966),他着名拉长变形的人体雕塑,或站立和行走,粗糙颗粒的表皮层下,隐含着人性沉沦与矛盾的挣扎。他的绘画极具个人特色,形式如同素描作品,单纯青灰底色画面中只见简易的勾勒形体的线条,然后就是感性线条与理性线条交会互动、缠绕与涂抹,而他的素描又像绘画创作,都具备精神性特质。

      有「中国绘画先驱」称谓的李仲生强调「创作要有独创性,就必须先具备素描功力,因为素描功力是创作的基础。」这里指的素描功力并不是一般描写形象的能力,而是指具备个人特色的创造力。传统的素描就像绘画前的练习稿,但在创作的过程中,因为艺术家抛开了形式包袱的束缚,可以随直觉即兴式的发挥创造力,有时候素描还超越绘画作品本身所要表达的内涵度。简单的说“素描在找寻一种创作的灵感轨迹,它可以聚焦,扮演作品“创造”与“再创造”间的沟通桥梁,另一方面它也可以分解,概然承受“破坏”与“再破坏”作品的实验,属于未来创作前进行式的探索,发自于内心悸动,捕捉当下的直观感受。”

      许多人习惯以写日记的手法来记录生活,而我则是以素描来记录和表现,所以本来形诸文字的意念表达方式则转化成为点、线、面和图腾符号来代替,像《异域之音》(2012)、《风的联想》(2013)、《浪漫之音》(2014)、《光影之歌》(2014)、《竹影之声》(2014),就是经由淬鍊之后简化形象的创作展现,而《风的悸动》(2013)、《线形空间的游戏》(2014)、《跃动之音》(2014)、《镜象》(2014)、《光的沉思》(2014)、《观心之音》(2014)、《光之镜》(2014)等则是自由抽象的线性表现注重和捕捉当下创作的感觉。

      「油画」作为深度绘画的延展

      油画是西方传统创作的绘画技法,它的特性是可以重叠颜色和涂抹修改,缺点是慢乾,但作品乾了后能够长期耐久保存,属于稳定性强的绘画媒材。如前所述,我的创作不拘泥于抽象或意象融合的表现,油画能够修改的特质,正好配合我绘画创作一贯做法,即“创造”到“破坏”和“再创造”到“再破坏”的循环表现。但我的油画不像素描可以完成于当下的即兴式创作,一件作品完成往往需费时日,甚至于跨年或数年以上,例如:《星辰之恋》(2012~2015,油画)和《记忆•星辰》(2012~2015,複合媒材),创作过程长达四年以上,主要是“从无到有”以「感觉」出发,在创作和破坏间,自动建构出属于自己心中所要达到的理想要求,因为以「记忆」为主轴,喜欢时间遗留的痕迹,所以在画面上追求基底效果,颜色在层叠中呈现厚实的氛围表现。

      「複合媒材」呈现创意和多层次结构

      艺术创作如何将灵感和美感透过技巧表现传达出来,结构根基的稳固牵涉到未来作品的内涵与内容,然而创意也要透过其外型轮廓表达来展现创作的特色与深度。「素描」和「油画」材质的单一性是不能满足我对创作的实践与实验,而「複合媒材」同时结合不同材质的创作手法正好弥补了这方面的缺点。例如:《上善若水》(2015,複合媒材)和《记忆•容颜》(2015,複合媒材)就是融入不同材质的作品。

      五、艺术价值与贡献

      对我而言,「艺术即生活,生活也是艺术。」绘画如同生活的记录,选择艺术创作就是一辈子的事,这20多年漫长时间的创作投入,不单是时间与金钱的消耗,但我乐此不疲而无怨无悔,因为它珍贵的是对人生价值的自我确认,对生命情境的反思关照。

      虽然大部分我使用的是西方的材料创作,但探寻「东方精神」本位和从「传统中创新」,一直是我努力创作追求的理想目标,所以在绘画本质上能结合东方性的精神表现,在抽象创作里,引用更多不同的元素符号,比方深具东方性山水结构的表现,或代表时代建筑与空间的线性符号,在画面上呈现视觉新颖的效果。另外举凡有关台湾民间传统宗教色彩或原住民图腾造型,皆逐渐地潜移默化融入我的绘画创作里,也变成创作上的特色与独特的风格语彙。

      我认为艺术创作者“先感动自己,才能感动他人”,就像心理学大师荣格说的:「一个人的视野,只有在看向自己内心时才会变得清楚;只知道向外看的人,都是一些作梦者,唯有向内看的人,才是真正的清醒者。」而艺术创作的真诚也就自然传达在内容里。希望这些来自“记忆灵感”的丰富元素,在创作的过程中,纵手放逸,无心而得。



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